Nga Albert Vataj
Gjykimin e Fundit u sulmua ashpër nga rezerva mbi baza morale dhe fetare. Ky monument arti u bë i diskutueshëm sapo u pa, duke ndezur mosmarrëveshje midis kritikëve në Kundërreformimin Katolik dhe mbështetësve të gjenialitetit të artistit dhe stilit të pikturës. Michelangelo u akuzua se ishte i pandjeshëm ndaj dekorit të duhur, në lidhje me lakuriqësinë dhe aspektet e tjera të veprës, dhe se kishte ndjekur efektin artistik mbi ndjekjen e përshkrimit specifikues të ngjarjes.
Në një vizitë paraprake me Palin III, përpara se puna të përfundonte, Mjeshtri i Ceremonisë së Papës Biagio da Cesena raportohet nga Vasari duke thënë se: “ishte shumë e turpshme që në një vend kaq të shenjtë duhet të ishin përshkruar të gjitha ato figura nudo, duke u ekspozuar në mënyrë kaq të turpshme dhe se nuk ishte punë për një kishëz papale, por për banjat dhe tavernat publike”.
Pati që në fillim kritika të konsiderueshme në konsiderata thjesht estetike, të cilat pothuajse nuk ishin parë fare në reagimet fillestare ndaj tavanit të Kapelës Sistine të Michelangelo-s. Dy figurat kryesore në valën e parë të kritikave, ishin, Pietro Aretino dhe miku i tij Lodovico Dolce, një humanist venecian. Aretino kishte bërë përpjekje të konsiderueshme për t’u bërë aq i afërt me Michelangelo-n sa ishte me Titianin, por gjithmonë ishte refuzuar; “Në vitin 1545 durimi i tij i dha rrugë, dhe ai i shkroi Michelangelo-s atë letër mbi Gjykimin e Fundit, e cila tani është e famshme si një shembull i maturisë së pasinqertë”, një letër e shkruar me synimin për t’u botuar. Aretino në fakt nuk e kishte parë pikturën e përfunduar dhe kritikat e tij i bazoi në një nga printimet që u sollën shpejt në treg. Ai “pretendohet të përfaqësojë popullin e thjeshtë” në këtë audiencë të re më të gjerë. Megjithatë, duket se të paktën publiku që bleu printime preferoi versionin e pacensuruar të pikturave, pasi shumica e printimeve e treguan këtë edhe në shekullin e 17-të.
Vasari iu përgjigj kësaj dhe kritikave të tjera në edicionin e parë të Jetës së Michelangelo-s në vitin 1550. Dolce vazhdoi më 1557, vitin pas vdekjes së Aretino, me një dialog të botuar, L’Aretino , pothuajse me siguri një përpjekje bashkëpunuese me mikun e tij. Shumë nga argumentet e kritikëve teologë përsëriten, por tani në emër të dekorit dhe jo të fesë, duke theksuar se vendndodhja e veçantë dhe shumë e spikatur e afreskut e bënte sasinë e lakuriqësisë të papranueshme; një argument i përshtatshëm për Aretinon, disa nga projektet e të cilit ishin sinqerisht pornografike, por të destinuara për audiencë private. Dolce ankohet gjithashtu se figurat femërore të Michelangelo-s janë të vështira për t’u dalluar nga meshkujt, dhe figurat e tij tregojnë “ekzibicionim anatomik”, kritika që shumë kanë bërë jehonë.
Në këto pika, u zhvillua një krahasim retorik afatgjatë i Michelangelo-s dhe Raphaelit, në të cilin morën pjesë edhe mbështetës të Michelangelo-s si Vasari. Raphaeli konsiderohet si shembulli i gjithë hirit dhe dekorit që i mungonte Michelangelo-s, cilësia e jashtëzakonshme e të cilit Vasari e quajti cilësinë e tij të tmerrshme, të mrekullueshme, sublime ose (në kuptimin e mirëfilltë) të artit të tij që shkakton terror. Vasari arriti të ndante pjesërisht këtë pikëpamje në kohën e botimit të dytë të zgjeruar të Jetëve të tij, botuar më 1568, megjithëse ai mbrojti në mënyrë eksplicite afreskun në disa pika të ngritura nga sulmuesit (pa i përmendur ato), si dekorimi i afreskut dhe “diversiteti i mahnitshëm i figurave” dhe pohoi se ishte “i frymëzuar drejtpërdrejt nga Zoti” dhe një meritë për Papën dhe “famin e tij të ardhshëm”.
Në shumë aspekte, historianët e artit modern diskutojnë të njëjtat aspekte të veprës si shkrimtarët e shekullit të 16-të: grupimi i përgjithshëm i figurave dhe pasqyrimi i hapësirës dhe lëvizjes, përshkrimi dallues i anatomisë, lakuriqësia dhe përdorimi i ngjyrës, dhe ndonjëherë edhe teologjike, implikimet e afreskut. Megjithatë, Bernadine Barnes thekson se asnjë kritik i shekullit të 16-të nuk i bën jehonë as më të vogël pikëpamjes së Anthony Blunt se: “Ky afresk është vepër e një njeriu të tronditur nga pozicioni i tij i sigurt, që nuk është më i qetë me botën dhe i paaftë për të përballeni drejtpërdrejt me të. Michelangelo tani nuk merret drejtpërdrejt me bukurinë e dukshme të botës fizike.” Në atë kohë, vazhdon Barnes, “u dënua si vepër e një njeriu arrogant dhe u justifikua si një vepër që i bënte figurat qiellore më të bukura sesa të natyrshme”. Shumë kritikë të tjerë modernë marrin qasje të ngjashme me atë të Blunt, duke theksuar “prirjen e Michelangelo-s larg materialit dhe drejt gjërave shpirtërore” në dekadat e tij të fundit.
Në teologji, Ardhja e Dytë e Krishtit i dha fund hapësirës dhe kohës. Përkundër kësaj, komentohet shpesh “Përfaqësimi kurioz i hapësirës nga Michelangelo”, ku “personazhet banojnë në hapësira individuale që nuk mund të kombinohen vazhdimisht”.
Përveç çështjes së dekorit, është diskutuar shpesh për interpretimin e anatomisë. Duke shkruar “energjinë” në figurën nudo, Kenneth Clark ka shkruar:
Kthimi në thellësi, lufta për t’u arratisur nga këtu dhe tani e aeroplanit të pikturës, që e kishte dalluar gjithmonë Michelangelo-n nga grekët, u bë ritmi dominues i veprave të tij të mëvonshme. Ai makth kolosal, Gjykimi i Fundit, përbëhet nga beteja të tilla. Është akumulimi më i fuqishëm në të gjithë artin e trupave në lëvizje të dhunshme”
Për figurën e Krishtit, Clark thotë: “Michelangelo nuk është përpjekur t’i rezistojë atij detyrimi të çuditshëm që e bëri atë të bëshëm një bust derisa të jetë pothuajse katror”.
SJ Freedberg komentoi se “Repertori i gjerë i anatomive që Michelangelo-s krijoi për Gjykimin e Fundit duket se shpesh është përcaktuar më shumë nga kërkesat e artit sesa nga nevojat imponuese të kuptimit, … nuk kishte për qëllim thjesht të argëtonte, por të na mbizotëronte me Shpesh, gjithashtu, figurat supozojnë qëndrime, kuptimi kryesor i të cilave është zbukurimi.” Ai vë në dukje se dy afresket në Cappella Paolina, pikturat e fundit të Michelangelo-s, të filluara në nëntor 1542, pothuajse menjëherë pas Gjykimit të Fundit, tregojnë që në fillim një ndryshim të madh në stil, larg hirit dhe efektit estetik në një shqetësim ekskluziv me ilustrimin e narrativës, pa marrë parasysh bukurinë.
Përgatiti: Albert Vataj
